Les Ateliers Tropisme

Je m’appelle Noureddine Benhamed,
Je suis artiste plasticien,
Je vis et je travaille à Montpellier depuis 2017,
Je suis diplômé de l’école supérieure des beaux-arts de Nîmes (DNSEP) 2021
Diplômé de l’École des Beaux-Arts de la ville d’Oran en Algérie en 2007.

Je développe un travail de recherche sur la prolifération des images et leurs effets sur les masses et les individus.
Je n’ai pas de ligne directrice, ni de thématique ou de technique de prédilection. Mon travail se situe entre la collecte, l’intervention sur des images que je sélectionne et la recomposition. Le langage cinématographique m’influence et m’intéresse particulièrement, par le séquençage qu’il opère, le découpage et les ruptures, puis le montage, la mise en forme : la plupart du temps modulaires et assemblés au mur ou pour des installations.
Des photos, de la peinture, du dessin, des collages, de la vidéo et de l’installation sont des stratégies critiques de mise à distance qui me permettra de déconstruire la réalité médiatique vécue comme une fiction aliénante.
Les nombreuses questions auxquelles je m’intéresse : les questions liées à l’Homme et à son environnement, la relation qu’il entretient avec lui-même ainsi qu’avec autrui, une urgence liée aux injustices, aux blessures individuelles et collectives, à l’histoire et à la mémoire commune.
Ma pratique est un espace dans lequel je li(e)s et je déli(e)s mes propres expériences sensibles du monde.

Laura Samé à fait ses armes aux Beaux-Arts de Nîmes où elle en sort diplômée en 2013. Depuis, son travail s’articule autour d’un univers qui mêle des formes mystiques tirées de ses voyages et de différentes techniques plastiques, telles que la gravure, le dessin, la sérigraphie, la mosaïque, la performance… En 2017, elle fonde un atelier de sérigraphie à Nîmes, « les Pas.Sages » et fait partie de plusieurs projets collectifs comme « Fludax » (performance artistique) ou encore « les Madeleines sérigraphie » (show sérigraphique en live haut en couleur). De multiples expositions, des projets d’édition, des résidences ou encore la performance conjuguent ses préoccupations. Pendant 7 ans elle a enseigné comme professeur d’arts appliqués dans des lycées techniques, entre autres 4 ans en sérigraphies industrielles à Nîmes et dernièrement en graphisme PAO à Mayotte. Adepte des ateliers dans les tiers lieux, elle a d’abord fait ses premières expériences dans le collectif PAN à Nantes. Elle possède entre autres, un voilier à Sète, dans lequel elle a pu monter un petit labo photo et un micro atelier de gravure qui a pu faciliter les rencontres lors de voyage au Brésil ou en Afrique. Puis en revenant elle a fait partie d’un projet de résidence collective en Indonésie avec Sirius Laut, avant de s’installer à Nîmes dans le collectif La Ruche, puis au Vaisseau 3008.

DÉMARCHE
Le travail de Laura est en constante évolution et se nourrit de rencontres, de textes philosophiques, de contes et d

« Choisir de voir la vie du bon côté est une lutte du quotidien. » Carpette Diem
Je m’appelle Margot Merandon, j’ai 29 ans, originaire de Lyon. J’ai fait des études d’art appliqué et de cinéma d’animation.

DÉMARCHE
Ma pratique artistique, c’est mon antidote à la morosité ambiante. Elle me permet d’exprimer ce que je veux : une société queer, multiculturelle, féministe et funky. Passionnée de cinéma, d’art graphique et de musique, j’aime découvrir de nouvelles techniques d’expression naviguant entre les arts numériques et traditionnels. J’expérimente en ce moment une technique de broderie appelée le tufting, animée en stop motion et lisible en réalité augmentée.

Après des études en langues étrangères et en histoire de l’art, j’ai passé de nombreuses années entre l’Irlande, l’Angleterre, le Moyen-Orient et plus récemment New York.

Auteure et illustratrice autodidacte, mon désir de communiquer et de transmettre, associé à ma capacité de transformer les mots en images, me conduit à une traduction visuelle en simultanée et à une simplification des formes. Quand je ne dessine pas avec des ciseaux, je grave à la pointe sèche ou bien j’imprime des linogravures avec une approche minimaliste du dessin.
Mon travail a accompagné de nombreux textes et albums jeunesse et a fait l’objet de plusieurs expositions en France et à l’étranger.

DÉMARCHE
Elle dit ne pas « savoir faire », et en ne « sachant pas » elle se permet des écarts qui ont la liberté de l’enfant qui s’amuse et dont le dessin est une chose très sérieuse et ludique à la fois.

C’est un principe de croyance : Nathalie Trovato sait que la beauté peut surgir à tout moment, elle a l’intuition de se servir des moments d’inventivité que la rencontre de son imaginaire et du dessin provoque sur le papier et dont elle est la première spectatrice !

« Les limites du peintre sont dans sa tête » dit Georg Baselitz, Nathalie Trovato n’ayant pas de formation académique, a trouvé en elle une capacité à exprimer le dessin avec une très grande liberté vis à vis des codes qui régissent le dessin en général. » Texte de Gregory Forstner, extrait.

À travers ses efforts pour exprimer l’harmonie trouvée dans les dualités universelles, Alex intègre la symétrie avec des éléments dynamiques, menant à la création récente d’une série d’installations interactives sous le nom de Portail Métamorphosis. Ce dernier permet la combinaisons infinie de mélange morphologique des participant·es en temps réel. Il est aussi passionné par la création de mobilier et de luminaires uniques avec l’utilisation de matériaux noble tels que le marbre, l’acier, l’onyx, le laiton, le cuir, le verre et la céramique.

DÉMARCHE
Alex monte des sessions de vidéo-performance et de photographie avec l’outil le Portail Métamorphosis, pour exposer les mélanges ethniques et génétiques dans le but de démontrer les similitudes qui nous unissent et nous rapprochent les uns des autres. De cette manière, il a exposé ses portraits dans de nombreux événements d’arts visuels, musicaux et technologiques tels que : Burning man, Coachella, Lollapalooza, TEDx, l’Exploratorium à San Francisco ainsi que l’Académie des sciences et le Musée d’Art Moderne de Columbus, Ohio (CMA).

Ma carrière a commencé à Los Angeles, où je me suis lancée en tant qu’entrepreneuse dans le monde de l’art culinaire comme autrice de recettes, styliste et plus tard photographe pour mon livre de cuisine « Love Fed ». Ce travail m’a amené à créer de la vaisselle en céramique pour différents projets d’art culinaire. Ce qui a commencé comme des créations d’objets utilitaires pour la table, s’est rapidement transformé en travaux de céramiques murales et luminaires qui sont aujourd’hui vendus à des agences de design d’intérieur et des collectionneurs privés.

DÉMARCHE
Mon approche est guidée par la curiosité, toujours ludique et expérimentale. Je commence par bien remplir ma création, souvent en faisant l’expérience du monde qui m’entoure, à travers des contenus tels que la nourriture, la nature, les voyages, la méditation, le design et des formes d’art variées. Je transmets alors ces expériences dans ma propre forme d’expression. Mes idées viennent à moi d’une manière similaire à un enfant, avec spontanéité. Comme une approche spirituelle, je laisse le flux prendre l’initiative de me guider pour créer ce qui souhaite être exprimé.

Je suis Maryline Brouard, céramiste. Ma marque s’appelle Sorga : source en Occitan. Je travaille actuellement une collection de pièces utilitaires en céramique : vaisselle et luminaire pour les restaurants, les particuliers en lien avec des architectes d’intérieurs.

Après un passage dans une école d’ameublement, je me suis formée à la pédagogie Montessori. Suite à divers projets menés dans l’éducation, l’accompagnement et l’expression créatrice, la céramique est mon matériau de prédilection pour créer ma collection et transmettre.

DÉMARCHE
Mon travail s’articule autour du façonnage de pièces organiques et épurées. J’aime mettre en avant l’aspect brut de la matière utilisée.

Les terres que j’utilise sont issues de carrières françaises et/ou espagnoles. J’ai notamment pour projet d’utiliser l’argile extraite du chantier de l’EAI et de travailler en collaboration avec un collectif travaillant sur la terre crue.

Je propose des cours d’initiation au tournage ainsi que des stages pour transmettre les gestes et accompagner artistiquement différents projets. Ma pratique est tournée autant vers l’art et la recherche que vers la pédagogie.

Née 1963, Karen Thomas vit et travaille à Montpellier, France. Elle présente son travail en Europe comme aux Etats-Unis.

DÉMARCHE
La force de l’abstraction et la chromatique de la pop, les œuvres de Karen Thomas se concentrent principalement sur la figure repoussant les limites de la peinture en tant que médium.

Après des études d’art, je voulais revenir vers l’essentiel et pris la décision de produire de mes mains en devenant artisane. J’ai parcouru la France pour faire des stages et découvrir la céramique, la naissance d’une passion. J’ai ensuite mis un point final à mes divers stages avec un diplôme de céramiste avant de me lancer dans ma propre aventure professionnelle en 2016. Mon univers est haut en couleurs avec un travail de formes en courbe avec de la terre blanche. Je produis principalement en tournage et réalise mes décors avec des engobes sous couverte transparente.

DÉMARCHE
Je suis attirée par la matière et la création en volume, pour moi la terre est une évidence, c’est aussi simple que cela. L’idée de créer à partir de rien, sans un savoir-faire ce serait seulement de la terre mais avec de l’imagination et des compétences on crée un objet élégant et magnifique.

‘’ Donne moi ta boue j’en ferai de l’or. » Baudelaire, Les fleurs du mal.

Ce sont mes études d’art qui ont révélé mon attirance pour le volume, le fait de prendre conscience de mon intérêt pour la fabrication, puis le hasard s’est occupé de la suite. Avoir la liberté de faire mes choix de matières, de couleurs, de formes, je crée la totalité de mes pièces, je pense la forme, je crée mes couleurs et je réalise mon décor, le tout en prenant compte des contraintes de la matière.

Commençant le graffiti dans les années 2003 à l’âge de 11 ans, la peinture s’est révélée être pour moi un moyen d’expression sans barrières ni règles. Bombe de peinture, rouleaux, pinceaux, tout était bon pour développer chaque jour un peu plus mon style sur tous supports.
Grâce à cette volonté d’être en perpétuel évolution j’ai découvert de nouveaux styles et terrain de jeux. Après 17 ans de peinture sur tous supports, la crise sanitaire m’a permis de concentrer mon travail sur toiles et travailler sur des peintures plus réfléchies.

DÉMARCHE
Issu du graffiti traditionnel, mon travail consiste à développer différents styles calligraphiques autour de mon propre pseudonyme. Depuis mes débuts, je prends plaisir à imaginer les différentes formes que ce pseudonyme pourrait prendre, à le modifier, à le déformer. Le travail de la lettre est donc pour moi le cœur de mon activité, tout en essayant de la marier à différents éléments abstraits et figuratifs afin d’obtenir un résultat cohérent et équilibré.

Je suis Maryline Brouard, céramiste. Ma marque s’appelle Sorga : source en Occitan. Je travaille actuellement une collection de pièces utilitaires en céramique : vaisselle et luminaire pour les restaurants, les particuliers en lien avec des architectes d’intérieurs.
Après un passage dans une école d’ameublement, je me suis formée à la pédagogie Montessori. Suite à divers projets menés dans l’éducation, l’accompagnement et l’expression créatrice, la céramique est mon matériau de prédilection pour créer ma collection et transmettre.

DÉMARCHE
Mon travail s’articule autour du façonnage de pièces organiques et épurées. J’aime mettre en avant l’aspect brut de la matière utilisée.
Les terres que j’utilise sont issues de carrières françaises et/ou espagnoles. J’ai notamment pour projet d’utiliser l’argile extraite du chantier de l’EAI et de travailler en collaboration avec un collectif travaillant sur la terre crue.
Je propose des cours d’initiation au tournage ainsi que des stages pour transmettre les gestes et accompagner artistiquement différents projets. Ma pratique est tournée autant vers l’art et la recherche que vers la pédagogie.

Conservatrice restauratrice d’œuvres peintes diplômée depuis 15 ans, je travaille sur le patrimoine du grand Sud, sur un arc ensoleillé Perpignan Nice, auprès d’objets, principalement des tableaux de chevalets, mais pas que (grands décors, chantiers d’église, etc.), appartenant à des musées, des communes, ou bien à des particuliers. Souvent sur les routes, j’ai monté mon atelier cocon à Tropisme ! N’hésitez pas à me consulter.

DÉMARCHE
La conservation restauration des œuvres est une discipline complète, et exigeante, qui met en oeuvre diverses compétences, de la main et de l’intellect. C’est cette intersection des sciences « dures » (physique, chimie, optique), et des sciences humaines (histoire de l’art et des techniques, sociologie du patrimoine), couplée à la mise en œuvre de moyens techniques spécifiques en accord avec la sensibilité artistique qui fait de ce métier une grande joie, à pratiquer et à partager.

Née en 1977, Solange, dont le nom d’artiste est Hélène Jayet, est une plasticienne et photographe française originaire du Mali. Elle a débuté son éducation artistique à l’école des Beaux-Arts de Montpellier, puis s’est formée en graphisme, en photographie et en photojournalisme à Paris. Elle réalise des portraits et des reportages pour la presse depuis une dizaine d’années.

DÉMARCHE
Le travail d’Hélène Jayet, mêlant dessin et photographie, interroge l’histoire coloniale et la place arbitraire attribuée par les sociétés aux individus. Longtemps photographe, l’artiste a renoué avec le dessin et développé une nouvelle écriture. Partant d’images glanées dans des ouvrages historiques, photographiques ou sur la toile, Hélène Jayet réinterprète, noircissant son Canson, point par point, jusqu’à brouiller l’image d’origine, et nous obliger au recul et à la réflexion sur la profusion gigantesque de photographies dans notre quotidien. Prolongement de ses photographies, cette pratique transforme les pixels des tirages en une série de tâches d’encre, qui peuplent parfois densément ses feuilles, et recréent des paysages imaginaires. Réalistes ou abstraits, ces dessins sont intimes. Ils tracent en creux l’histoire d’une mémoire et d’une identité qui sont propres à l’artiste, entre deux rives…

Cédrick Eymenier est photographe, exposé au Centre photographique de Marseille, il a régulièrement contribué au magazine Purple. Une monographie sur son travail a été publiée aux éditions Ordet, avec un texte de Jeff Rian. Ses films ont été montrés à Osaka, Stockholm, au Centre Pompidou à Paris, à New York… Fondateur du label Coriolis Sounds, organisateur de festivals dédiés aux musiques électroniques, Cédrick anime une émission sur une radio argentine et vient de terminer un vidéoclip pour le label Drag City.

DÉMARCHE
Je combine photographies, vidéos, collages, installations sonores et projections. Street photography « une façon de mettre en valeur, esthétiquement, des endroits que nous ne regardons pas » (Jeff Rian). Dans la série de films Platform, consacrée aux paysages urbains contemporains, la musique occupe une place essentielle. Mes collaborations : Fennesz, Vladislav Delay, Steve Roden, James Taylor… Coriolis Sounds (label créé en 2009 « shelter for sentimental refugees, aller vers son penchant, slacker music for slacker people ») focus sur des musiques aventureuses. Mood musical : musique à danser, musique à dormir, les deux en même temps c’est mieux ! DJ sets house music élastique, radio mix sans fin d’au moins 3h. En groupe avec Cats Hats Gowns et leur lazy krautrock ambiant.

L’aventure de Dédale Dedans a commencé en Argentine, en 2016. Au cours de mon voyage j’ai rencontré des éditeurs de livres en autogestion. Ils se chargent d’éditer des classiques arrivés dans le domaine public ainsi que des auteurs indépendants, de romans, de théâtre et de poésie, et se chargent de l’édition, à la commercialisation en passant par la reliure. Ces éditeurs participent au développement du livre, le rendant accessible à tous, dans un pays où ces produits sont très chers.

Avec eux j’ai découvert différentes méthodes de reliures, j’ai fait beaucoup d’essais, j’ai continué à me former grâce à des livres, des vidéos et des ateliers de reliure.

Depuis, mes cahiers ont parcouru sur mon dos, le Chili, la Bolivie, l’Uruguay, la Croatie, l’Espagne, la Colombie l’Allemagne et surtout de nombreuses villes et villages de France. Je fabrique les cahiers en chemin, avec mon petit atelier mobile, et je propose aussi dès que c’est possible des ateliers.

La base des opérations de l’Atelier Voyageur est à Montpellier, c’est là que sont mes outils les plus lourds, les réserves de matériel collecté et un peu de repos entre deux expéditions.

Fanny Gillequin est artiste plasticienne. Suite à l’obtention de son DNSEP à l’école des Beaux- Arts de Montpellier en 2014, elle se saisit du dessin pour développer son univers et sa pratique artistique. Elle voyage beaucoup à l’étranger mais son port d’attache reste Montpellier. Ce sont principalement ses voyages à l’étranger, allant de l’Asie du Sud-Est, à la Jamaïque ou encore en passant par l’Islande, qui ont cultivé et aiguisé son regard.

DÉMARCHE
C’est dans un processus fluctuant entre temps de pérégrinations et temps de production que son travail invite le spectateur au voyage et au dépaysement poétique. De retour de ses explorations, elle révèle un Nouveau Monde en s’appliquant à lui rendre hommage. La vie, la nature, les vestiges culturels ainsi que leur protection, sont au cœur de ses préoccupations. L’activité humaine et ses conséquences dévastatrices sont quant à elles, le point de départ de ses créations. Il s’agit de sensibiliser, d’éveiller les consciences. L’engagement de l’artiste se déploie à cet endroit. Son art tend vers l’acte militant et les causes humanitaires. La jeune artiste montpelliéraine ouvre alors ses projets à de nouvelles dimensions techniques. Modelage et sculpture d’argile pour élaborer les installations composées de coraux, pour évoquer leurs menaces d’extinction. Ainsi que dans la lignée de son travail minutieux, la gravure et la sculpture de pierres fines, installations suspendues, tissage.