LES ATELIERS TROPISME

Je m’appelle Sole, je suis céramiste, illustratrice et docteure en biologie. Toute ma vie j’ai été entre science et art, après avoir travaillé comme scientifique en Argentine, mon pays natal, je suis venue en France pour libérer toute mon énergie créatrice et approfondir ma passion pour la céramique.

Mon projet s’appelle Terra Mate et il s’agit de la création de céramiques illustrées, des mates argentins, ainsi que des illustrations, des stickers et des tote bags. J’organise également des ateliers et des activités de fa- brication d’objets en céramique. Mon travail est influencé par mes racines d’Amérique latine et ma passion pour les animaux et la nature de mes études en tant que biologiste. Faire partie des Ateliers Tropisme est une belle opportunité de partager et d’apprendre auprès d’artistes incroyables et de réaliser des projets collaboratifs.

Inspirée par la nature, si mon travail est très poétique, il est aussi profondément ancré dans le réel, le quotidien et son temps. Il traite des paradoxes que nous vivons en tant qu’humains dans notre relation à la nature. Préoccupée par les problèmes environnementaux, j’oriente ma pratique vers un art durable et une utilisation de matériaux et techniques respectueuses de la nature. Après avoir produit et travaillé 20 ans à Paris, je crée désormais à Montpellier, où je suis née.

DÉMARCHE

Artiste, directrice artistique je tente dans mon travail d’explorer notre instinct végétal. Coller, lier, appondre, joindre, les gens, les matières, les motifs paysagers. Je crée des œuvres polymorphes, toutes dérivées du collage, assemblages photographiques, installations, vidéos poétiques.

J’interroge notre perception de l’éphémère, du souvenir, du manque, de l’absence, de la trace et du mouvement. Dans un herbier, une fleur pressée est comme suspendue dans le temps. Éphémère, fragile, fantôme, elle n’est plus qu’une évocation d’un temps, d’un souvenir attaché à celui-ci. Les fragments de tissus froissés sont les traces du mouvement, le souvenir des frôlements, étreintes qui ont eu lieu et qui ne sont plus.

Je m’appelle Noureddine Benhamed,
Je suis artiste plasticien,
Je vis et je travaille à Montpellier depuis 2017,
Je suis diplômé de l’école supérieure des beaux-arts de Nîmes (DNSEP) 2021
Diplômé de l’École des Beaux-Arts de la ville d’Oran en Algérie en 2007.

Je développe un travail de recherche sur la prolifération des images et leurs effets sur les masses et les individus.
Je n’ai pas de ligne directrice, ni de thématique ou de technique de prédilection. Mon travail se situe entre la collecte, l’intervention sur des images que je sélectionne et la recomposition. Le langage cinématographique m’influence et m’intéresse particulièrement, par le séquençage qu’il opère, le découpage et les ruptures, puis le montage, la mise en forme : la plupart du temps modulaires et assemblés au mur ou pour des installations.
Des photos, de la peinture, du dessin, des collages, de la vidéo et de l’installation sont des stratégies critiques de mise à distance qui me permettra de déconstruire la réalité médiatique vécue comme une fiction aliénante.
Les nombreuses questions auxquelles je m’intéresse : les questions liées à l’Homme et à son environnement, la relation qu’il entretient avec lui-même ainsi qu’avec autrui, une urgence liée aux injustices, aux blessures individuelles et collectives, à l’histoire et à la mémoire commune.
Ma pratique est un espace dans lequel je li(e)s et je déli(e)s mes propres expériences sensibles du monde.

Valérie Salerno (Vale) est une artiste plasticienne et designer graphique, diplômée des Beaux-Arts. Elle a vécu et travaillé de nombreuses années, dans le monde de l’art, du design, de la communication et de l’événementiel, en Italie puis à Paris, avant de revenir s’installer à Montpellier, sa ville natale.

DÉMARCHE
Passionnée par les arts visuels, Valérie travaille autour du thème de la perception de la réalité et sa subjectivité depuis le début des années 2000. Qu’est-ce que la réalité ? Entre nos conditionnements physiques, biochimiques, culturels… quelle est notre part de liberté en tant qu’être humain, dans notre perception du monde, nos prises de décisions, nos choix, nos positionnements ?

Seront ainsi proposées des formes qui changeront de sens et d’apparence suivant la distance de lecture du·de la spectateur·rice. Des mondes parallèles qui cohabitent et vivent les uns par les autres, ou encore un volume pourra être bidimensionnel, un mouvement statique et une matière inexistante… Le tout en un jeu qui base ses règles sur la multiplicité du réel.

« Choisir de voir la vie du bon côté est une lutte du quotidien. » Carpette Diem
Je m’appelle Margot Merandon, j’ai 29 ans, originaire de Lyon. J’ai fait des études d’art appliqué et de cinéma d’animation.

DÉMARCHE
Ma pratique artistique, c’est mon antidote à la morosité ambiante. Elle me permet d’exprimer ce que je veux : une société queer, multiculturelle, féministe et funky. Passionnée de cinéma, d’art graphique et de musique, j’aime découvrir de nouvelles techniques d’expression naviguant entre les arts numériques et traditionnels. J’expérimente en ce moment une technique de broderie appelée le tufting, animée en stop motion et lisible en réalité augmentée.

Après des études en langues étrangères et en histoire de l’art, j’ai passé de nombreuses années entre l’Irlande, l’Angleterre, le Moyen-Orient et plus récemment New York.

Auteure et illustratrice autodidacte, mon désir de communiquer et de transmettre, associé à ma capacité de transformer les mots en images, me conduit à une traduction visuelle en simultanée et à une simplification des formes. Quand je ne dessine pas avec des ciseaux, je grave à la pointe sèche ou bien j’imprime des linogravures avec une approche minimaliste du dessin.
Mon travail a accompagné de nombreux textes et albums jeunesse et a fait l’objet de plusieurs expositions en France et à l’étranger.

DÉMARCHE
Elle dit ne pas « savoir faire », et en ne « sachant pas » elle se permet des écarts qui ont la liberté de l’enfant qui s’amuse et dont le dessin est une chose très sérieuse et ludique à la fois.

C’est un principe de croyance : Nathalie Trovato sait que la beauté peut surgir à tout moment, elle a l’intuition de se servir des moments d’inventivité que la rencontre de son imaginaire et du dessin provoque sur le papier et dont elle est la première spectatrice !

« Les limites du peintre sont dans sa tête » dit Georg Baselitz, Nathalie Trovato n’ayant pas de formation académique, a trouvé en elle une capacité à exprimer le dessin avec une très grande liberté vis à vis des codes qui régissent le dessin en général. » Texte de Gregory Forstner, extrait.

À travers ses efforts pour exprimer l’harmonie trouvée dans les dualités universelles, Alex intègre la symétrie avec des éléments dynamiques, menant à la création récente d’une série d’installations interactives sous le nom de Portail Métamorphosis. Ce dernier permet la combinaisons infinie de mélange morphologique des participant·es en temps réel. Il est aussi passionné par la création de mobilier et de luminaires uniques avec l’utilisation de matériaux noble tels que le marbre, l’acier, l’onyx, le laiton, le cuir, le verre et la céramique.

DÉMARCHE
Alex monte des sessions de vidéo-performance et de photographie avec l’outil le Portail Métamorphosis, pour exposer les mélanges ethniques et génétiques dans le but de démontrer les similitudes qui nous unissent et nous rapprochent les uns des autres. De cette manière, il a exposé ses portraits dans de nombreux événements d’arts visuels, musicaux et technologiques tels que : Burning man, Coachella, Lollapalooza, TEDx, l’Exploratorium à San Francisco ainsi que l’Académie des sciences et le Musée d’Art Moderne de Columbus, Ohio (CMA).

Ma carrière a commencé à Los Angeles, où je me suis lancée en tant qu’entrepreneuse dans le monde de l’art culinaire comme autrice de recettes, styliste et plus tard photographe pour mon livre de cuisine « Love Fed ». Ce travail m’a amené à créer de la vaisselle en céramique pour différents projets d’art culinaire. Ce qui a commencé comme des créations d’objets utilitaires pour la table, s’est rapidement transformé en travaux de céramiques murales et luminaires qui sont aujourd’hui vendus à des agences de design d’intérieur et des collectionneurs privés.

DÉMARCHE
Mon approche est guidée par la curiosité, toujours ludique et expérimentale. Je commence par bien remplir ma création, souvent en faisant l’expérience du monde qui m’entoure, à travers des contenus tels que la nourriture, la nature, les voyages, la méditation, le design et des formes d’art variées. Je transmets alors ces expériences dans ma propre forme d’expression. Mes idées viennent à moi d’une manière similaire à un enfant, avec spontanéité. Comme une approche spirituelle, je laisse le flux prendre l’initiative de me guider pour créer ce qui souhaite être exprimé.

Artiste multidisciplinaire qui vit entre Montpellier, Paris et Barcelone. Romancière (Rivages Noir, Le Dilettante), scénariste (Arte, France Télévisions). Documentariste (Canal Plus, France 3, Arte) sur des sujets aussi différents que le rap, la censure au Liban ou Philippe Starck. Journaliste, elle collabore au web magazine Lokko. Prochain roman, « Noir c’est noir », paraîtra chez Rivages Noir en 2023. Passionnée par les Arts Plastiques (sa formation initiale) elle travaille en tant que plasticienne sur des séries de « vaches » drôles et graves à la fois.

DÉMARCHE
Mon travail, c’est la rencontre entre la vache sacrée et le smartphone ! Explications : Ma première « vache » est une vache de cinéma, la Marguerite du film, La vache et le prisonnier. Dans mon sud natal, seul le mâle parade. La femelle nourricière reste à l’étable ! Il me faudra attendre l’Inde pour voir parader des vaches, cette fois sacrées. Immédiatement, je suis captivée par leur regard qui me renvoie au manque de regard généré par notre utilisation du smartphone. Oui, dans les espaces publics, chacun a les yeux baissés, occupés, par son écran. Fini l’échange « gratuit » ! Je travaille donc sur le regard à travers l’image de la vache. Leurs yeux nous invitent à l’échange de regards avec elles mais aussi avec nous-même.

Je suis Maryline Brouard, céramiste. Ma marque s’appelle Sorga : source en Occitan. Je travaille actuellement une collection de pièces utilitaires en céramique : vaisselle et luminaire pour les restaurants, les particuliers en lien avec des architectes d’intérieurs.

Après un passage dans une école d’ameublement, je me suis formée à la pédagogie Montessori. Suite à divers projets menés dans l’éducation, l’accompagnement et l’expression créatrice, la céramique est mon matériau de prédilection pour créer ma collection et transmettre.

DÉMARCHE
Mon travail s’articule autour du façonnage de pièces organiques et épurées. J’aime mettre en avant l’aspect brut de la matière utilisée.

Les terres que j’utilise sont issues de carrières françaises et/ou espagnoles. J’ai notamment pour projet d’utiliser l’argile extraite du chantier de l’EAI et de travailler en collaboration avec un collectif travaillant sur la terre crue.

Je propose des cours d’initiation au tournage ainsi que des stages pour transmettre les gestes et accompagner artistiquement différents projets. Ma pratique est tournée autant vers l’art et la recherche que vers la pédagogie.

Née 1963, Karen Thomas vit et travaille à Montpellier, France. Elle présente son travail en Europe comme aux Etats-Unis.

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La force de l’abstraction et la chromatique de la pop, les œuvres de Karen Thomas se concentrent principalement sur la figure repoussant les limites de la peinture en tant que médium.

Après des études d’art, je voulais revenir vers l’essentiel et pris la décision de produire de mes mains en devenant artisane. J’ai parcouru la France pour faire des stages et découvrir la céramique, la naissance d’une passion. J’ai ensuite mis un point final à mes divers stages avec un diplôme de céramiste avant de me lancer dans ma propre aventure professionnelle en 2016. Mon univers est haut en couleurs avec un travail de formes en courbe avec de la terre blanche. Je produis principalement en tournage et réalise mes décors avec des engobes sous couverte transparente.

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Je suis attirée par la matière et la création en volume, pour moi la terre est une évidence, c’est aussi simple que cela. L’idée de créer à partir de rien, sans un savoir-faire ce serait seulement de la terre mais avec de l’imagination et des compétences on crée un objet élégant et magnifique.

‘’ Donne moi ta boue j’en ferai de l’or. » Baudelaire, Les fleurs du mal.

Ce sont mes études d’art qui ont révélé mon attirance pour le volume, le fait de prendre conscience de mon intérêt pour la fabrication, puis le hasard s’est occupé de la suite. Avoir la liberté de faire mes choix de matières, de couleurs, de formes, je crée la totalité de mes pièces, je pense la forme, je crée mes couleurs et je réalise mon décor, le tout en prenant compte des contraintes de la matière.

Artiste et designer, formée par l’école des Beaux-Arts de Nîmes en Art et par l’école des Arts-Décoratifs de Strasbourg en Objet, j’ai exploré divers médiums à travers la sculpture, la photographie, la performance, la danse contemporaine… ma formation en énergétique chinoise m’a permis d’aller encore plus loin dans l’approche du geste et du souffle et d’un monde de l’invisible. Aujourd’hui, je tends à créer des pièces d’exception sensibles entre art, artisanat et design.

DÉMARCHE
Je déplace les frontières entre art, artisanat et design. Le luxe et le monde populaire se côtoyant à travers le geste et la matière, mes réalisations sont faites à base de mailles textiles, de plissages, de broderie de perles et d’éléments naturels détournés… Ces œuvres sont les manifestations d’une fascination pour la beauté, faite de sensibilité et de sublimation, une plongée dans des mythologies imaginaires pour créer des objets et des images métaphoriques.

Je m’appelle James, j’ai la trentaine et j’ai étudié pour être ingénieur en aéronautique. Depuis toujours, j’ai eu la passion des formes, puis s’est ajoutée une question clé : les déchets peuvent-ils remplacer les matières premières ? La réponse est souvent oui. Le matériau que je travaille en ce moment ressemble à du béton traditionnel. Il est à 90% issu de déchets industriels.

DÉMARCHE
En travaillant des pièces uniques, je fais évoluer mon style au gré des saisons. Les pièces que je conçois sont une représentation de ce qu’il se passe à l’intérieur de moi — c’est là que mon inspiration trouve sa source.

Philippe Domergue vit et travaille à Montpellier et à Perpignan. En 1990, il obtient le DNSEP et une exposi- tion avec le FRAC Occitanie. Ses premières œuvres explorent les codes de la photographie et son rapport au dessin, à l’espace, au bâti.

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Le travail de Philippe Domergue se développe autour d’une tension entre l’usage du médium photo-vidéo et des pratiques plus physiques, faisant appel aux gestes de l’artisan ou du jardinier : découpes, assem- blages, taille d’arbres…
Cette dialectique entre la planéité des images et la volumétrie des supports ou des lieux qu’il choisit pour les donner à voir (chutes de matériaux, parois, végétaux, paysages) est essentielle pour lui. L’image l’inté- resse moins pour elle-même que pour on rapport à la matière, au vivant ou à la mémoire.
Ses œuvres questionnent la dichotomie nature/culture et notre perception des mutations sociales (restric- tion des libertés, exils) et environnementales (dérèglement climatique, maltraitance du vivant).

Je m’appelle Cédric Pierre-Bez et suis né à Marseille en 1984. Je vis et travaille désormais à Montpellier. Après un diplôme de concepteur graphique de la Kedge School of Design, j’ai décidé de me consacrer à la peinture et à l’illustration, que j’exerce en freelance sous le nom de CÉPÉ.

DÉMARCHE
Ayant grandi à Marseille, Cépé attribue son inspiration à la lumière et aux couleurs caractéristiques du sud de la France. Il y fait référence comme les sources de son énergie créatrice, et leur présence est évidente dans son travail.

Ses peintures, s’inspirent des courants artistiques qui l’ont le plus influencé, notamment le cubisme et l’expressionnisme. Dans chacune de ses œuvres, il aime déconstruire l’espace, les corps et les visages pour imaginer un monde déformé et innocent. Cépé met en lumière les imperfections de son personnage. Les scènes de la vie quotidienne et le nu sont ses sujets les plus chers.

Née en 1977, Solange, dont le nom d’artiste est Hélène Jayet, est une plasticienne et photographe française originaire du Mali. Elle a débuté son éducation artistique à l’école des Beaux-Arts de Montpellier, puis s’est formée en graphisme, en photographie et en photojournalisme à Paris. Elle réalise des portraits et des reportages pour la presse depuis une dizaine d’années.

DÉMARCHE
Le travail d’Hélène Jayet, mêlant dessin et photographie, interroge l’histoire coloniale et la place arbitraire attribuée par les sociétés aux individus. Longtemps photographe, l’artiste a renoué avec le dessin et développé une nouvelle écriture. Partant d’images glanées dans des ouvrages historiques, photographiques ou sur la toile, Hélène Jayet réinterprète, noircissant son Canson, point par point, jusqu’à brouiller l’image d’origine, et nous obliger au recul et à la réflexion sur la profusion gigantesque de photographies dans notre quotidien. Prolongement de ses photographies, cette pratique transforme les pixels des tirages en une série de tâches d’encre, qui peuplent parfois densément ses feuilles, et recréent des paysages imaginaires. Réalistes ou abstraits, ces dessins sont intimes. Ils tracent en creux l’histoire d’une mémoire et d’une identité qui sont propres à l’artiste, entre deux rives…

Découverte de l’argile : De cette expérience est née ma rencontre avec la terre, matière utilisée pour le prototypage et le moulage des pièces préparatoires. Un coup de coeur qui remonte à plus de 30 ans et dont je ne soupçonne pas encore la portée. Bien qu’ayant expérimenté d’autres techniques et matériaux (dont le fer, le bois et le plastique), l’argile, au fil des années, semble être devenue maîtresse. Son influence est immense. Ses effets infinis…

L’argile comme un cataplasme : Désireux de faire découvrir les bienfaits de cette matière, je me mets à animer des ateliers socio-thérapeutiques au sein d’instituts médico-sociaux tels que IME, IMPro, maisons de retraite et centres psychiatriques. Ces interventions m’amènent à percevoir l’humanité sous un autre angle.

DÉMARCHE
Mes sculptures sont essentiellement réalisées en terre cuite (chamottée), elles sont modelées, et cuites à 1020°. Le thème est tourné vers la mer, proche de mes pensées, de mon quotidien, elle m’inspire depuis mon enfance et continue à aiguiller mon imagination et à m’

Je suis Yarra Sanchez, céramiste d’origine Franco-Américaine. Mon initiation à la céramique a commencé lors de mes voyages au Japon. Fascinée par la relation subtile entre la nourriture et les objets de table, c’est en 2019 que je commence des cours de poterie. J’ai tout de suite éprouvé un amour pour le geste et ressenti l’effet thérapeutique de la terre. Je décide de faire une reconversion et en 2021, j’obtiens le CAP de tournage en céramique.

DÉMARCHE
Je collectionne des inspirations visuelles de toutes sources – nature, textiles, design, voyages. J’aime créer des moodboard qui inspireront mes prochaines créations.

Le tournage en céramique est une pratique qui implique une suite de gestes spécifiques et demande une certaine rigueur de travail. En même temps, j’accueille les heureux accidents et j’aime l’imperfection du fait main.

Je me laisse porter par la malléabilité de la terre tout en intégrant ma curiosité pour créer des pièces uniques ou en petite série sur commande.

Je propose des cours d’initiation au tournage en céramique afin de transmettre le bien être, la créativité et de sensibiliser au « slow made ».

Fanny Gillequin est artiste plasticienne. Suite à l’obtention de son DNSEP à l’école des Beaux- Arts de Montpellier en 2014, elle se saisit du dessin pour développer son univers et sa pratique artistique. Elle voyage beaucoup à l’étranger mais son port d’attache reste Montpellier. Ce sont principalement ses voyages à l’étranger, allant de l’Asie du Sud-Est, à la Jamaïque ou encore en passant par l’Islande, qui ont cultivé et aiguisé son regard.

DÉMARCHE
C’est dans un processus fluctuant entre temps de pérégrinations et temps de production que son travail invite le spectateur au voyage et au dépaysement poétique. De retour de ses explorations, elle révèle un Nouveau Monde en s’appliquant à lui rendre hommage. La vie, la nature, les vestiges culturels ainsi que leur protection, sont au cœur de ses préoccupations. L’activité humaine et ses conséquences dévastatrices sont quant à elles, le point de départ de ses créations. Il s’agit de sensibiliser, d’éveiller les consciences. L’engagement de l’artiste se déploie à cet endroit. Son art tend vers l’acte militant et les causes humanitaires. La jeune artiste montpelliéraine ouvre alors ses projets à de nouvelles dimensions techniques. Modelage et sculpture d’argile pour élaborer les installations composées de coraux, pour évoquer leurs menaces d’extinction. Ainsi que dans la lignée de son travail minutieux, la gravure et la sculpture de pierres fines, installations suspendues, tissage.